Antecedentes Parte I

 Elisha Gray "El Telégrafo Armónico":

Los primeros experimentos con instrumentos electrónicos se remontan al siglo pasado, en la poca que Graham Bell patentaba el teléfono. Allí el nombre de Elisha Gray aparece como el del hombre que mantuvo una batalla legal con Bell por la invención del teléfono en 1876 y que, según dicen, llego solo dos horas más tarde que este a inscribirlo en el registro de patentes. Aunque perdió esa batalla, la historia no fue tan indiferente con Gray, pues a él se le atribuye la creación del primer "instrumento musical " de generación electrónica. Corría entonces el año 1874 y podemos indicarlo como el verdadero punto de partida de una serie de experimentos que establecieron los principios básicos de la música electrónica. Gray creó los elementos básicos de un instrumento electrónico: un oscilador y un transductor (básicamente un parlante que transforma una corriente eléctrica en una señal de audio). Así nace el primer "Telégrafo Musical" o "Telégrafo Armónico" el cual estaba equipado con suficientes osciladores de tono simples como para tocar dos octavas. Desde ese momento Gray comenzó una gira por diversas ciudades realizando un espectáculo donde presentaba este "curioso" instrumento.

El " Telégrafo Armónico"

 William Duddell "El Arco Cantante":

Por el año 1900 ya había luz eléctrica en las calles de Londres, sin embargo el dispositivo usado no era la lámpara de Edison ya que esta no producía suficiente luz para una calle. Lo que se usaba era una lámpara de arco de carbón que producía una chispa entre dos nodos. El problema de este aparato era el constante, molesto y humeante sonido qué producía. El físico William Duddell buscó la manera de eliminar este ruido, tratando por algún medio de controlar su frecuencia, y lo logró. Duddell encontró que variando el voltaje aplicado a la lámpara podía crear frecuencias audibles controlables. Posteriormente conectó un teclado a su dispositivo controlado por tensión y comenzó a recorrer el país mostrando su invento. El "Arco Cantante" no fue mas que una novedad a comienzos de esta centuria.

Lámpara de Arco de la ciudad de Londres

Thaddeus Cahill "El Telharmonium":

El canadiense Thaddeus Cahill es considerado como el inventor del primer instrumento electrónico musical "serio", el "Telharmonium". Su patente de 1896 lo describe como un aparato con dispositivos de generación de tonos eléctricos, dispositivos de control dinámico para la generación de tonos, un teclado para activar los circuitos de generación de tonos y un parlante. De los tres Telharmoniums construidos solo quedan alguas pocas fotos como testimonio de su existencia. El primero iniciado en 1895, patentado en 1896 y terminado en 1900, el segundo construido in Holyke,Massachusetts (luego trasladado a New York) y el tercero iniciado en 1908 terminado en 1911 y aún en uso en 1916.

La complejidad de esta máquina es sorprendente. El sistema de generación de tonos consiste en 12 ejes en los cuales están montados una serie de dínamos (145 en total). Cada dínamo crea una oscilación eléctrica para una determinada frecuencia o tono. Cada eje rota a la velocidad correspondiente a la frecuencia de una de las 12 notas de la escala cromática. El Telharmonium fue una inmensa estructura de 200 toneladas y un costo de U$S 200.000 que ocupaba todo un piso en la 39^th Street y Broadway de la ciudad de Nueva York. Fue utilizado para transmisiones de música eléctrónica a través de las líneas telefónicas a partir de 1900 y era ejecutado por dos músicos (Cuatro manos). Se dice que las transmiciones de música a través de las líneas telefónicas interfería con el resto de las llamadas que estaban siendo realizadas en la red. También existe un rumor sobre un hombre de negocios de la ciudad de N.Y. que enfurecido por las constantes interferencias irrumpió en el edificio donde estaba el Telharmonium y lo destruyó arrojando parte de sus piezas a la rivera del río Hudson. En 1907 con el Thelarmonium en mente, Ferruccio Busoni publica "Sketch for a New Aestetic of Music" refiriendose al uso de la electricidad y a las nuevas fuentes de sonido en la música del futuro. Esto tuvo un profunto impacto en uno de sus alumnos, Edgard Varese. Los principios del Telharmonium fueron usados para el diseño del órgano Hammond (jazz) a comienzos de los años treinta.  

El Telharmonium

Guitarras Acústicas y Eléctricas

Orígenes de la Guitarra:

Según la hipótesis de algunos historiadores, los primeros instrumentos de música fueron sencillas cañas provistas de agujeros, que fundan la familia de los instrumentos de viento. Siguieron después otros hechos de cráneos, recubiertos de parches de cuero, que fueron los primeros instrumentos de percusión. Atándoles cuerdas, se da comienzo a la familia de los instrumentos de cuerda. A continuación tenemos dos ejemplos: un instrumento con el mango fijado a un cráneo humano (fig. 1) y una lira construida con un caparazón de tortuga (fig. 2)

La familia de los instrumentos de cuerda comprende tres grupos: · Instrumentos de cuerda que se pulsan al aire (arpa antigua, cítara, arpa antigua, etcétera.) en los que cada cuerda produce una única nota que, una vez pulsada, vibra en toda su extensión. · Instrumentos de cuerda que se pulsan al aire y que al mismo tiempo se pisan en el mango a diferentes alturas, obteniéndose de esta manera en cada cuerda notas diferentes (laúd, vihuela, guitarra...) · Instrumentos de cuerda que se frotan con un arco o puntean con un plectro, tales como el ud, la vihuela de arco, la vihuela péndola, violín, viola, etcétera. El hecho de que hablemos, no solamente de la historia de la guitarra, sino también de otros instrumentos pertenecientes al segundo grupo, obedece a que las líneas del desarrollo de estos instrumentos están estrechamente implicadas entre sí. Se dispone de pocos datos ciertos acerca de los milenios que ha durado la evolución de la guitarra hasta llegar a su estado actual, y por otra parte, sus formas intermedias se superponen tan frecuentemente entre sí, haciendo poco menos que imposible su identificación. Será más útil ver estos instrumentos como un conjunto histórico. Según la mitología antigua, el origen de los instrumentos de cuerda punteada se remontaría a la lira cuya invención atribuyen los egipcios a Thot Trismegiste, los egipcios a Hermes, y los hebreos a Jubal. Según Pitágoras, se tañía la plandura, instrumento de mango con tres cuerdas, en el Asia menor. Los persas la conocieron bajo el nombre de sambleca, y los árabes bajo la denominación de sambiud. El instrumento característica de la música islámica árabe fue el ud, más exactamente al-ud. Este nombre originó los vocablos laúd en español, liuto en italiano... etc. Se afinaba por cuartas (la, re, sol, do y fa) y pisando las cuerdas en el mástil sin trastes se obtenían las doce notas de la escala cromática. El laúd es un instrumento de origen arábigo-islámico con nombre árabe. La vihuela, un instrumento de origen arabigo-asiático con nombre romano, y la guitarra un instrumento de origen arabigo-asiático con un nombre grecorromano.

La Guitarra Clásica en la actualidad:

Después de sucesivas modificaciones , la guitarra ha quedado de la siguiente manera: tiene un cuerpo plano y entallado, con un agujero redondo y un mástil con trastes, a lo largo del cual hay seis cuerdas, sujetas a un extremo con clavijas de tornillo y por el otro a un puente pegado a la caja del instrumento. Las tres cuerdas agudas solían ser normalmente de tripa o naylon, aunque actualmente ya no se ven las cuerdas de tripa; las otras tres cuerdas (graves) son de nailon entorchadas en metal. Se afinan mi2, la2, re3, sol3, si3 y mi4, con una extensión de tres octavas y una quinta. Los dedos de la mano izquierda del intérprete presionan las cuerdas en el traste adecuado para producir las notas deseadas, los de la derecha pulsan las cuerdas. Algunas guitarras con cuerdas metálicas se puntean con un plectro o púa. Existen diversos conjuntos de guitarras, desde la baja al guitarrín, y con diversos números de cuerdas. Se tocan en España e Iberoamérica. La guitarra de veinte cuerdas tiene seis cuerdas dobles en la afinación normal. La hawaiana (ukelele) se coloca a lo largo de las piernas del ejecutante, que pisa las cuerdas metálicas y hace que se apoyen sobre el traste (estrecha tira metálica) en el mástil. Las cuerdas se afinan habitualmente según un acorde tipo. La guitarra eléctrica, utilizada en la música moderna en todo el mundo, tiene normalmente un cuerpo macizo no resonador. El sonido de sus cuerdas es amplificado y manipulado electrónicamente por el intérprete. El músico e inventor estadounidense Les Paul desarrolló prototipos para el cuerpo de la guitarra eléctrica y popularizó el instrumento a partir de la década de 1940.

La Guitarra Eléctrica Archtop

Gibson ES-150

En los años 1920s,ante el auge de la radio y el teléfono, inventores e ingenieros comenzaron a experimentar con la posibilidad de amplificar guitarras mediante el uso de la electricidad. Hubieron una gran variedad de métodos partiendo del más simple que consistía en ubicar un micrófono dentro del cuerpo o caja de una guitarra acústica (hollowbody).Sin embargo el primer gran suceso del uso de la electrónica para amplificar una guitarra fué "the Frying Pan guitar"(una steel guitar o guitarra hawaiana) diseñada por Adolph Rickenbaker y George Beauchamp en 1931.

The Frying Pan

El éxito se debió al desarrollo del pickup electromagnético que permitía transformar la vibración de las cuerdas en una corriente eléctrica mediante la variación del campo magnético generado por el pickup.Así aparecieron los guitarras conocidas como electric Archtop o Hollowbody como la famosa línea ES (Electric Spanish)de Gibson (ES-150, ES-250) a la que agregó hacia fines de los años cincuenta la línea Thinline o Semi-hollow(delgada o media-caja) con modelos com la ES-335, ES-345, ES-355.Uno de los primeros grandes cultores fue el guitarrista de jazz Charlie Christian quien empezó a usar este invento hacia 1937 y fue pionero en demostrar su potencial a través de sus solos.De esta manera dio un rol melódico y a la vez más protagónico a un instrumento que hasta entonces cumplía una función rítmica y armónica. La razón de este nuevo rol se debe en gran parte a la equiparación del volumen de la guitarra con respecto a otros instrumentos solistas de la orquesta como la trompeta o el saxofón.

La Guitarra eléctrica de cuerpo sólido (Solidbody)

Fender Telecaster

Las primeras guitarras eléctricas tenían serios problemas de acoples y distorsiones ya que el pickup captaba el sonido de la caja de resonancia.Estas básicamente eran guitarras acústicas con cuerdas de acero a las que se le había agregado el pickup por debajo Para solucionar estos inconvenientes se hizo necesario una guitarra de cuerpo sólido que fué desarrollada en los años 1940s por el guitarrista Les Paul, inventor además de la grabación multicanal, y Leo Fender. Fue Les Paul quién a principios de los años 40 transformó una guitarra Epiphone colocándole una pieza maciza de pino de 4x4 pulgadas a la cual sujetó el puente, las cuerdas y los pickups. Esta "monstruosidad" fue bautizada "The Log" y llamó la atención de los ejecutivos de la empresa fabricante de guitarras y mandolinas Gibson, sin embargo, pasaría una década hasta que estos diseños vieran la luz comercialmente.El primer paso en este sentido fue dado por el técnico de radio y aficionado de la electrónica Leo Fender quién introdujo en el mercado en el año 1950 la primera guitarra de cuerpo sólido comercialmente exitosa denominada Broadcaster, rebautizada después Telecaster (1951) por problemas legales con la compañia Gretsch.Esta última famosa or la fabricación de Baterías tenia un modelo denominado Broadkaster Lug. Fender había fundado en 1946 la Fender Manufacturing Company transformándose luego en Fender Electric Instrument Company y básicamente venía produciendo amplificadores y steel guitars (Guitarra hawaiana).La Telecaster conocida simplemente como Tele posee un brillante y penetrante timbre que está dado principalmente por la proximidad de uno de sus pickups con el puente lo que lleva a resaltar u obtener mayor presencia en las frecuencias agudas.La Tele es hoy la guitarra de cuerpo sólido que más años a permanecido en el mercado sin alteraciones en su diseño. Si bien Gibson fabricaba desde hacía algún tiempo guitarras eléctricas del tipo Archtop o Hollowbody (con caja de resonancia), ante el éxito de estos nuevos instrumentos, los directivos de la compañía decidieron convocar a Les Paul para realizar un diseño con la característica Solidbody (cuerpo sólido) y es así que en 1952 apareció comercialmente la legendaria Gibson Les Paul .Este modelo cambió la imagen de las guitarras de cuerpo sólido desde una simple placa de madera a una elegante y estilizada pieza de arte. Un par de años más tarde en 1954 y ante un nuevo desafío comercial Fender desarrollo otro modelo, tal vez el más imitado y famoso de la historia, la Stratocaster que incorporaba tres pickups (la mayoría de las guitarras hasta ese momento tenían uno o dos) y agregaba lo que se llamó en ese momento la palanca de trémolo sincronizado. Este último elemento en realidad produce variaciones de la afinación (pitch) por lo que debemos decir que el efecto es de vibrato ya que el trémolo es una variación del volumen o amplitud.

Captadores o Pickups

Los captadores son usados como se dijo anteriormente para convertir el sonido en una señal eléctrica para ser reproducida por un amplificador. A pesar de la gran variedad que hay en el mercado hoy en día, podemos clasificarlos básicamente en dos tipos: Single-coil (Bobina simple) y Humbucking (Bobina doble).Los pickups Single-coil son los que poseen los modelos de Fender Telecaster y Stratocaster dándole a estos instrumentos un color brillante pero como desventaja son muy susceptible al ruido.Por otro lado los humbuckers como los Gibson PAF son similares pero en este caso se colocan dos single-coil en serie pero invertidos de fase produciendo mayor volumen, menos susceptibilidad a los ruidos pero a la vez un sonido más oscuro debido a las cancelaciones de las frecuencias agudas.Estos son los utilizados por los modelos Les Paul a partir del año 1957 (anteriormente venían con pickups Gibson P-90 single-coil) y son los que han otorgado el sonido característico de estas guitarras a lo largo del tiempo.

Efectos

Uno de los más populares efectos desde los años 1950s y 1960s es la "distorsión" u "overdrive".Este no fue intencional y surgió por el calentamiento de las válvulas a alto volumen y el largo tiempo en que los amplificadores estaban encendidos.Con el transcurso del tiempo este sonido se volvió popular y los amplificadores empezaron a ser construidos para producir el efecto .Con el advenimiento de los transistores se diseñaron dispositivos electrónicos para conseguir "artificialmente" este sonido.Otro efecto muy popular en los 1970s fue el pedal de "Wha -Wha".Este pedal enfatiza distintos armónicos de la señal en forma proporcional a la depresión del mismo.Básicamente es un filtro el cual en vez de controlarse con una perilla se mueve ,haciendo más oscuro y brillante el sonido, con la depresión del pedal.No podemos dejar de citar el efecto de vibrato producido por la mal llamada palanca de "trémolo" y el efecto de trémolo propiamente dicho que se encontraba en algunos amplificadores y que producía como se dijo anteriormente variaciones en forma periódica del la intensidad o volumen de la señal.En los años 1980s se popularizaron otros efectos como el Phase Shifter (desplazador de fase), el Flanger, el Chorus ,el Delay, el Pitch Shifter (desplazador de afinación), etc. También con la llegada de la era digital surgieron dispositivos llamados "Multiefectos" en los cuales se pueden encontrar la mayoría de los antes mencionados con la posibilidad de combinarlos y guardarlos como un preset en una memoria RAM.

Técnicas de Ejecución

Existen básicamente dos formas de tocar la guitarra eléctrica la primera consiste en la utilización de un plectro o púa de material plástico o metálica para percutir las cuerdas.En la segunda se utilizan los dedos aunque esta técnica es más común en las guitarra clásicas y acústicas. Sin embargo muchos guitarrista combinan ambas. Otra técnica con un sonido muy particular es la conocida como "mute guitar" esta última se consiguen apoyando la mano derecha sobre las cuerdas, asordinándolas obteniendo así un sonido oscuro, sin sostenimiento y bastante percusivo.También en el blues y la música country es común la técnica de Slide que consite en la utilización de un elemento cilíndrico de metal o vidrio que se desliza sobre las cuerdas obteniendo el típico sonido "hawaiano".Finalmente podemos citar algunas técnicas surgidas en los años 1980s como el Tapping que básicamente consiste en utilizar los dedos de ambas manos para percutir las cuerdas sobre el mástil de una forma similar a la de los martillos en las cuerdas del piano.

Audio

Relacionando los sonidos de guitarra con el mapa de General Midi podemos encontrar el programa Nº 25 (Guitarra clásica o acústica con cuerdas de Nylon), el Nº 26(Guitarra acústica con cuerdas de acero), el Nº 27 (Guitarra Jazz o Archtop), el Nº 28 (Guitarra eléctrica limpia muy asociada al sonido Fender Stratocaster), el Nº 29 (Guitarra Mute) ,el Nº 30 y 31 (Guitarra con Overdrive y Distorsionador respectivamente), y el Nº32 (Armónicos de guitarra con overdrive)

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Audios:

• Ejemplos de Guitarra Acústica
  • Ejemplo Nº 1 Fragmento con guitarra acústica con cuerdas de naylon
  • Ejemplo Nº 2 Guitarra acústica con cuerdas de acero
  • Ejemplo Nº 3 Guitarra acústica con cuerdas de acero
  • Ejemplo Nº 4 Guitarra acústica con 12 cuerdas de acero
  • Ejemplo Nº 5 Guitarra acústica con 12 cuerdas de acero
  • Fragmento de"Libertango" (A. Piazzolla) ejecutado con guitarras (nylon) y bandoneón
• Ejemplos de Guitarra Eléctrica tipo Archtop
  • Ejemplo Nº 1 del disco de Joe Pass "Virtuoso"(MP3)
  • Ejemplo Nº 2 del disco de Joe Pass "Virtuoso"(MP3)
  • Ejemplo Nº 3 Gibson ES-175
  • Ejemplo Nº 4 Gibson ES-335
  • Fragmento "Stella by starlight" por George Benson
• Ejemplos de Guitarras Eléctricas de cuerpo sólido
  • Ejemplo Nº 1 Guitarra eléctrica rasgada limpia (clean)
  • Ejemplo Nº 2 Guitarra eléctrica con efecto Chorus
  • Ejemplo Nº 3 Guitarra eléctrica con efecto Flanger
  • Ejemplo Nº 4 Guitarra eléctrica con efecto Phaser
  • Ejemplo Nº 5 Guitarra eléctrica con efecto Trémolo
  • Ejemplo Nº 6 Guitarra eléctrica rítmica limpia
  • Ejemplo Nº 7 Guitarra eléctrica rítmica limpia
  • Ejemplo Nº 8 Guitarra eléctrica Mute con efecto de Overdrive y Delay
  • Ejemplo Nº 9 Guitarra eléctrica rítmica Mute
  • Ejemplo Nº 10 Guitarra eléctrica rítmica Fender Stratocaster
  • Ejemplo Nº 11 Guitarra eléctrica con efecto Distortion
  • Ejemplo Nº 12 Guitarra eléctrica con efecto Distortion
  • Ejemplo Nº 13 Guitarra eléctrica con efecto Wha-Wha
  • Ejemplo Nº 14 Guitarra eléctrica con efecto Wha-Wha
  • Ejemplo Nº 15 Guitarra eléctrica distorsionada ejecutada con Slide
  • Ejemplo Nº 16 Guitarra eléctrica distorsionada ejecutada con Slide
  • Ejemplo Nº 17 Guitarra eléctrica distorsionada Gibson Les Paul modelo "Deluxe"
  • Ejemplo Nº 18 Guitarra eléctrica distorsionada Gibson Les Paul modelo "Custom"
  • Ejemplo Nº 19 Guitarra eléctrica con distorsión Gibson Les Paul modelo "Custom"
  • Ejemplo Nº 20 Guitarra eléctrica con distorsión y delay Gibson Les Paul modelo "Custom"
  • Ejemplo Nº 21 Guitarra eléctrica distorsionada Gibson Les Paul modelo "Standard"
  • Ejemplo Nº 22 Guitarra eléctrica limpia Gibson Les Paul modelo "Standard"
  • Ejemplo Nº 23 Guitarra eléctrica con distorsion y delay Gibson Les Paul modelo "Standard"
• Otros Ejemplos
• "Mimosa" George Benson (Archtop) Earl Klugh (acústica nylon)
• Tema de la película "Verano de 42´" Gerge Benson (Archtop y acústica nylon)

Bajo Acústico y Eléctrico

Origenes del Contrabajo

Haciendo un poco de historia es en el siglo XVI en donde nos encontramos con el LIRONE o ARCHIVIOLA DA LIRA, llamada también ACCORDO, el cual era un voluminoso instrumento de arco perteneciente a la familia de las violas, que llegó a poseer hasta 24 cuerdas, varias de las cuales estaban situadas al lado del diapasón a manera de bordones, lo que hacía la ejecución bastante incómoda por lo que su número fue prontamente reducido a 12 y más tarde a 6 cuerdas afinadas a la octava grave de la viola da gamba: re, sol, do, mi, la y re, tomando el nombre de Violone. (En italiano la terminación "one" es aumentativo). Este instrumento con el cual se obtenían unos estupendos bajos fue paulatinamente cayendo en el olvido, y a lo largo del siglo XVII los compositores se quejaban de este abandono injustificado y todavía a principios del siglo XVIII estos no encontraban razón alguna para que el VIOLONCELLO, sucesor de la Viola da Gamba, fuese el único bajo de cuerda utilizado en la orquesta. La insistencia de los compositores terminó por tener buena acogida y pronto un nuevo instrumento de cuatro cuerdas llamado Violone se instalaría en la orquesta definitivamente. Desde su creación, el contrabajo sufrió constantes evoluciones tanto en el encordado como en su afinación. Al principio sus cuatro cuerdas estaban afinadas por quintas a la octava grave del Violoncello lo que producía dificultades de digitación. Seguidamente y durante mucho tiempo se fabricaron contrabajos de tres cuerdas con distintos tipos de afinaciones con lo cual se lograba solucionar algunos problemas técnicos pero generaba otros en cuanto a interválica. Sólo en 1832 Cherubini, entonces director del Conservatorio de París, y Habeneck, inspector general de estudios, decidieron adoptar definitivamente la enseñanza del contrabajo de cuatro cuerdas: Mi, La, Re, Sol, tal como se emplea actualmente. Debemos agregar que en cuanto al encordado, las cuerdas eran en un primer momento de tripas (vísera de animal) las que emitían un sonido bastante opaco aunque profundo, pero con poca  proyección, y estaban amarradas al tiracuerdas en la parte posterior y enrrolladas en el clavijero, el cual era de madera de ébano y de tipo llave, similar a los actuales violines; actualmente son de bronce y algunos instrumentos poseen microafinadores. Con el tiempo tanto este tipo de cuerdas como el contrabajo de tres cuerdas fue desterrado de las grandes orquestas, utilizándose sin embargo durante bastante tiempo en pequeñas orquestas de baile. Actualmente existen contrabajos de cinco cuerdas que surgieron como respuestas a las exigencias de la música Wagneriana. Esta cuerda es una tercera mayor más baja que la cuarta cuerda de afinación normal -o sea, un Do- ya que anteriormente la cuarta cuerda debía ser bajada y por lo general no sonaba bien al estar en exceso flexada. El problema quedaría definitivamente solucionado con la aparición de los instrumentos de cinco cuerdas. Do, Mi, La, Re y Sol (de abajo hacia arriba) y también con el diseño y construcción de un encordado especial para estos instrumentos. En general las actuales orquestas emplean siempre contrabajos de 4 cuerdas a las que se agregan algunos instrumentos de cinco.

El Contrabajo en la música del Siglo XX:

Al entrar en la música del JAZZ el contrabajo, ya maduro en su evolución, entraría a formar parte de la llamada sección rítmica de las agrupaciones  emergentes ya que al ser pulsado con los dedos en forma de Pizzicatto otorga al contexto una riqueza rítmica y una pulsación difícil de lograr con otros instrumentos de registro grave; adquiere también una mayor libertad en su accionar sin perder su función vital de sustentar la base armónica haciendo de puente entre la sección rítmica y melódica-armónica pero adquiriendo a la vez un mayor protagonismo tanto en el acompañamiento como en la participación de solos a veces bastante extensos. El JAZZ es actualmente un lenguaje enriquecido según algunos y contaminado según otros por una gran diversidad de fusiones de estilos, tendencias y conceptos nuevos que se le suman día a día; por lo tanto a la hora de nombrar a los grandes exponentes del contrabajo se puede pecar de parcialidad regida por el ánimo del momento; sin embargo, existen algunos contrabajistas de JAZZ que de alguna manera siempre están presentes en la memmoria de los aficionados o profesionales de este instrumento. Cómo no recordar por ejemplo, a Scott Lafaro que en su musicalidad y riqueza melódica se transformó en uno de los primeros grandes y audaces solistas de su época; a Ron Carter, un maestro en cuanto a pulsación y el manejo de las pulsaciones armónicas; Ray Brown, en cuanto a profundidad y peso del sonido; Charles Mingus en la composición de grandes blues, gran expresividad, sonido y pulso; Eddie Gomez, gran poeta, virtuoso y de gran riqueza melódica y armónica, y con manejo de las tensiones rítmicas; Miroslav Vitous, grandioso en el manejo del arco, virtuosismo, pulso y vitalidad; Neils Petersen, solista de gran solvencia; Dave Holland, musicalidad y expresión. Lamentablemente, con el hecho de nombrar a algunos se corre el riesgo de dejar a otros fuera, como el gran número de los contrabajistas de las Big Bands, combos y otras agrupaciones menores.

El Bajo Eléctrico

Fender Precision -1951

El bajo eléctrico aparece en la música popular durante la década de los años cincuenta en plena era de Rock n' Roll, cuando el contrabajo de concierto que también se utilizaba en la música popular tocado en forma de pizzicato (pulsado con los dedos) se va viendo cada vez más exigido por el avance de la electrónica, ya que la guitarra eléctrica estaba en plena vigencia así como también órganos y pianos eléctricos a través de los cuales se investigaba cada vez más en la perfección de equipos de sonido para estos y otros instrumentos. Aunque era posible amplificar el bajo acústico, este no rendía el peso sonoro sobretodo durante las actuaciones en vivo para sustentar a un cuarteto de Rock n' Roll, Country o Blues. El Rock n' Roll era cada vez más popular y las giras de los grupos en USA eran cada vez más intensas, por lo tanto el traslado del instrumento debido a su tamaño y fragilidad lo hacía diicil y costoso. Pensado para desempeñar la misma función que el bajo acústico e inspirado en la construcción de la guitarra eléctrica, , el cual quedaba colgado al cuerpo del músico en forma perpendicular (igual a la guitarra) careciendo así de puntal y sus medidas fueron sintetizadas para hacerlo más anatómico. Los principios de amplificación eran básicamente los mismos de la guitarra es decir por medio de cápsulas magnéticas instaladas debajo de las cuerdas en la parte central del cuerpo. Este bajo poseía también entrastadura por lo tanto era de afinación fija que lo hacía aparentemente más fácil de tocar. En resumen era igual a una guitarra eléctrica pero con cuatro cuerdas más gruesas, las cuales se afinaban a la octava de las cuatro últimas cuerdas de la guitarra: Sol; Re;La;Mi. De ahí posiblemente el nombre que adoptó: guitarra baja (Bass guitar). Fue Leo Fender quién en 1951 lanzó por primera vez un intrumento de este tipo y lo denomino Fender Precision y el nombre no es casualidad: frente a los tradicionales contrabajos, con la tabla del mástil completamente lisa, el nuevo instrumento incorporaba trastes, al igual que las guitarras española y eléctrica, esta última también inventada por Fender, junto a Rickenbacker y Gibson. Parece una tontería, pero el detalle de los trastes hace que la afinación del Bajo sea mucho más "precisa", de ahí el nombre de Precision. Pero la revolución fundamental que representa el bajo eléctrico frente al contrabajo es la de la amplificación del sonido y su portabilidad. Luego en el verano de 1960 Fender lanzó un segundo intrumento que denomino Fender Jazz Bass que a diferencia de su antecesor contaba con dos juegos de captadores o micrófonos uno en la parte central del cuerpo y el otro cerca del puente, un control de tono y dos controles de volumen individuales. Desde el punto de vista del sonido el Jazz Bass posee uno más brillante, contrario al oscuro y profundo del Precision,  debido fundamentalmente al captador que está próximo al puente. Por otra parte el Jazz Bass, gracias a los controles de volumen individuales para cada micrófono, permite dar distintos balances entre ambos y obtener así diferentes matices sonoros.

Fender Jazz Bass -1960

Aunque este instrumento se popularizó tanto que desplazó de la escena musical a sus antecesores por la comodidad y funcionalidad que otorgaba al bajista, tardaría más de veinte años en incorporarse al Jazz. Recién en 1970 fue Miles Davis quien lo lleva a este lenguaje causando una verdadera revolución en el sonido jazzístico de la época. Sin embargo como los procesos son siempre graduales, este bajo ya había madurado dentro de la misma música negra, en el Soul, como también el Blues y el Rock hacia fines de los sesenta, en donde ya empezaban a emerger figuras que marcarían puntos de referencia. En la actualidad es un instrumento que ha alcanzado un gran protagonismo en el aspecto del solista sin perder su función básica y original de sustentar a la banda. La aparición de bajos eléctricos fuera del díseño oríginal ha contribuído a la creación de nuevos conceptos de ejecución. Instrumentos como el eléctrico vertical, el Frettless (Sin trastes)y el bajo de 5 y 6 cuerdas, han sido popularizados por los grandes y famosos exponentes que todos conocemos, sin embargo, los origenes de estos no resultan ser tan nuevos o actuales como pudiera parecer. Stanley Clarke Con anterioridad al famoso 6 cuerdas de John Patitucci existía un modelo de la Fender hace más de 2 decádas que seria prácticamente el padre del actual, sin embargo Patitucci contribuyó con gran acierto al aspecto solista del cual Pastorius sin duda es el más grande. El bajo Frettles popularizado por este último habría tenido sus orígenes dentro de la música tropical o latina hace ya varias décadas. Hoy existe una gran variedad de bajos eléctricos hasta de 8 cuerdas dobles y singles.

Técnicas de Ejecución

Existen varias formas de tocar el bajo eléctrico, además de la ya conocida técnica de "pizzicatto" con los dedos utilizada tambien en el contrabajo.En tal sentido podemos agregar la técnica con púa y la técnica de Slap Popping. La primera consiste en la utilización de un plectro o púa de material plástico o metálica para percutir las cuerdas.En la segunda se utiliza la mano derecha para lograr un sonido de chasquido que resulta ser muy rítmico .Los dedos que se utilizan son: la parte exterior del pulgar, con la que se golpea la cuerda sobre el mástil (en el último tramo de este, aproximadamente sobre el traste #20) y el índice, con el que literalmente se hace restallar la cuerda contra los trastes, esto se consigue, levantándola con la yema del dedo, separándola del mástil y después soltándola bruscamente. Por otro lado, con la mano izquierda se pulsan las notas como siempre más el agregado de las llamadas "notas muertas".Estas últimas se consiguen apoyando la mano sobre la cuerda asordinándola e impidiento que vibre.

Bajos Sintéticos

Moog Taurus

La idea de ejecutar líneas de bajo desde intrumentos de teclado la podemos encontrar a fines de los años cincuenta con la aparición del Fender Piano Bass. Sin embargo, no es hasta la aparición comercial de los sintetizadores a fines de los 60´ y el auge de la música electrónica que esta idea se hizo popular. Uno de los sonidos de bajo sintético más famoso proviene de la línea de sintetizadores Moog, pero virtualmente cualquier sintetizador puede generar uno.Otro instrumento muy usado es el Roland SH-101 y otro, de esta misma marca, es el TB-303 aparecido a principios de los 80´.

TB-303

Este último consistía en un sintetizador que proveía 2 formas de onda básicas (Diente de Sierra y Cuadrada) más un secuenciador y un filtro resonante elemental. El compás se divide en 16 pasos y no tiene un teclado tal como los conocemos ya que en relidad es solo una botonera dispuesta de la misma forma que las teclas en un piano con una octava de extensión. La líneas de bajo de este tipo son muy populares en la música electrónica actual como Dance, Acid House, Trance, Tekkno etc. Debido fundamentalmente a su forma de programación las líneas de bajo de la TB-303 son utilizadas más allá del solo hecho de acentuar la armonía y el ritmo obteniéndos efectos (como los barridos de filtro y los arpegios) que no pueden lograrse tan facilmente con bajos eléctricos o acústicos.

Audio

Relacionando los sonidos de bajos con el mapa de General Midi podemos encontrar el programa Nº 33 (Contabajo), el Nº 34(Eléctrico con dedos), el Nº 35 (Eléctrico con púa), el Nº 36 (Bajo fretless), el Nº 37 y 38 (Bajo con técnica de Slap) y el Nº 39 y 40 (Bajos generados con sintetizadores)

• Ejemplos de Bajo Acústico
• Frase estilo jazz con walking bass
• Grupo de jazz tipo Big band

• Ejemplos de Bajo Eléctrico
  • Ejemplo Nº 1 tocado con los dedos (Finger Bass)
  • Ejemplo Nº 2 con efecto Chorus
  • Ejemplo Nº 3 con efecto Reverberación
  • Ejemplo Nº 4 con efecto Delay
  • Ejemplo Nº 5 Técnica Slap Pooping
  • Ejemplo Nº 6 Técnica de Púa
  • Bajo Slap ,Tema de la película "Dingo" (Miles Davis/Michel Legrand)
  • Bajo Slap y Layer del tipo DX piano,"Mimosa" (Gerge Benson/Earl Klugh)
  • Bajo Fretless (Jaco Pastorius)
  • Bajo Fretless, base rítmica(Jaco Pastorius)
  • Bajo Finger + Solo piano Wurlitzer
• Ejemplos de Bajo Sintético
  • Varias frases con Synth Bass
  • Tema con bajo sintético: I feel love (Donna Summer)

Sintetizadores

En los años sesenta la música electrónica dio su gran paso a través de la concepción del sintetizador cuya estructura, en líneas generales, a perdurado hasta nuestros días. Desde 1964, año en el que publicó su artículo sobre "Módulos de Música Controlados por Tensión", en la revista de la AES (Audio Engineering Society), Robert Moog desarrolló un sintetizador de estructura modular que constaba básicamente de tres bloques controlados por tensión y que culminó en 1967 con el lanzamiento de la primera línea de sintetizadores de Moog Music Inc. Moog era un fabricante de Theremins transistorizados en sus ratos libres y de esa forma costeaba su doctorado en la Universidad de Cornell donde comenzó sus experimentos en 1963 inspirado por los trabajos de Harold Bode inventor de los "Filtros Bode", la "Multimónica" (1940), el "Tuttivox" (1946), el "Melochord" (1947) y el "Polychord Organ"(1950). La revolución de Moog, fue el método para manejar los parámetros de cada bloque, es decir, el control por voltaje o tensión, de allí la derivación de sus nombres: VCO (Oscilador controlado por voltaje) VCF (Filtro controlado por voltaje) VCA (Amplificador controlado por voltaje). Estos bloques, a su vez, podían ser modulados por otras tensiones provenientes de otros bloques tales como LFOs (Osciladores de baja Frecuencia) y envolventes del tipo ADSR (Ataque, Decaimiento, Sostenimiento, Relajación). Para dar un ejemplo del funcionamiento del control por tensión, podemos decir que al presionarse una tecla se envía un voltaje al oscilador (VCO) y de acuerdo a este, se genera una frecuencia con una forma de onda que es seleccionable por el usuario. Para producir frecuencias más altas se necesita mayor tensión estableciéndose una relación de 1 volt por octava. Moog no era el único diseñador en esa época, otros nombres como Don Buchla, Alan Pearlman (ARP) y Tom Oberheim entre otros estaban en el mismo camino, sin embargo, su éxito no solo se debió a su innovación, sino también, a su vinculación con artistas como Herbert Deutsch y Walter Carlos quienes colaboraron en los diseños de Moog. Luego vinieron otros como John Cage, Alwin Nikolais, Stockhausen, The Beatles, Keith Emerson, Rick Wakeman, etc. Desde el punto de vista comercial podemos indicar a "Switched on Bach"(1967) de Walter Carlos como el disco que instituyó la palabra "sintetizador" entre los músicos y que exhibía en su portada los grandes sintetizadores modulares de Moog.

También podemos citar el disco "Abbey Road" de The Beatles como una de las primeras grabaciones de rock que utiliza sintetizadores en los temas, "Here comes the sun", "Maxwel silver hammer" y " She´s so heavey". Luego aparecerían grupos experimentales y de " Rock Sinfónico" como Yes, Pink Floyd, Tangerine Dream, Génesis, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, y Kraftwerk entre otros que empezaron a incorporar sintetizadores en su música convirténdolos en un elemento esencial.

La Evolución

Sintetizadores Analógicos Modulares (1963-69):

El VCO (oscilador controlado por tensión) no fue como se dijo anteriormente solo utilizado por Moog también Buchla contruyó prototipos con esta tecnología a principios de los sesenta e inclusive tal vez antes que Moog.Podemos citar entre los grandes modulares los modelos de Buchla con las series 100, 300, 500, 200, 400 en tanto que Moog desarollo los modelos 900 ,Synthesizer 10, Synthesizer 1c, 2c, 3c, System 35, System 55 entre otros.

Doug Dino KeithEmersonsMoog.jpg: Hunchentootderivative work: Clusternote / Public domain

Analógicos Portátiles:

EMS VCS3 (The Putney, 1969): Utilizado por Pink Floyd en el album "El lado Oscuro de la Luna", su nombre proviene de Voltage Controlled Synthesizer y la cifra indica la cantidad de osciladores. A diferencia de sus antecesores este aparato era más liviano y tenía una estructura en forma de L de unos 45cm de altura que lo hacia fácilmente transportable.No necesitaba cables para conectar los módulos ya que utilizaba una matriz de pines, sin embargo, la inestabidad de sus VCO's provocaba graves alteraciones en su afinación la cual debía ajustarse con frecuencia.

MOOG MINIMOOG (1970): Este es el más famoso sintetizador analógico de la historia. A diferencia de los anteriores equipos modulares, no necesitaba de cables ni de matrices de pines para interconectar sus módulos, su estructura "fija", hacía que el aparato sonara desde el momento en que era encendido.Esto sumado a su precio accesible y facilidad de manejo lo hizo el instrumento más elegido entre los tecladistas del momento.

ARP ODISEEY(duofónico,1972): Lanzado por la empresa de Alan Pearlman, compitió por la supremacía en la era Minimoog, convirtiéndose en otro de los favoritos de los músicos.

Otros famosos monofónicos fueron el Roland SH-3, Korg Mini 700s o el Yamaha SY1.

Sintetizadores Analógicos Polifónicos:

OBERHEIM 4 VOICE POLY SYNTH (1975): basado en un diseño anterior de Oberheim, los módulos SEM-1 (Synthesizer Expander Module), el Four Voice es considerado el primer sintetizador polifónico. Básicamente estaba formado por 4 módulos SEM interconectados y un teclado. A pesar de la innovación que introdujo y la curiosidad de que cada voz podía tener un sonido distinto si se patcheaba diferente cada módulo, debido a su complejidad para ser manejado, no alcanzó gran popularidad. Tom Oberheim pensó que esto se mejoraría con la posibilidad de memorizar los patches.

MOOG POLYMOOG (1975): Otra vez Moog da otro golpe en el mercado de los sintetizadores lanzando al mercado este aparato, sin embargo, quienes tuvieron la oportunidad de comparar dicen que no sonaba tan bien como sus predecesores.

Sintetizadores Analógicos Programables:

OBERHEIM OB1 A (1977): Aunque monofónico y no muy popular este es el primer sintetizador programable.

PROPHET -V: Desarrollado por una pequeña compañía llamada Secuencial Circuits este sintetizador de 5 voces de polifonía y totalmente programable, gracias a la incorporación de módulos de memoria, se convirtió en la respuesta que muchos músicos estaban esperando.Podía almacenar 40 programas de sonido.

Sintetizadores Digitales-MIDI

A pesar que la palabra "digital" ya estaba instalada entre los músicos esto era solo desde el punto de vista del control y almacenamiento de los patches del sintetizador pero no del sonido el cual seguía siendo analógico.A fines de los años 70 muchas empresas estaba desarrollando interfaces para comunicar sus instrumentos pero no podían hacerlo entre aparatos de diferentes marcas. Es por esto que a principios de los años 80 los fabricantes de intrumentos se reunieron para establecer un sistema de comunicación entre intrumentos que fuera común a todos. Así para fines del 82 aparecían los primeros sintetizadores con interfaz MIDI (Musical Instruments Digital Interface) que permitía a cualquier dispositivo musical que fuera compatible con esta norma comunicarse con otro independientemente de su marca o modelo.Así aparecía el Prophet -600 que fue el primer instrumento provisto de MIDI.También se dasarrollaron por esta época nuevos métodos de síntesis de sonido con tecnología digital coma la Síntesis por FM (Frecuencia Modulada) y por PD (Distorsión de Fase).

YAMAHA DX7 (1982): Este es ,después del Minimoog, el sintetizador más famoso e importante de la historia, no solo por su volumen de ventas, sino por ser el causante del fin de la era analógica.Basado en los algorithmos de la síntesis FM desarrollada por John Chowning en la Universidad de Stanford la empresa japonesa, después de casi 10 años,obtuvo un método de generación sonora que permitió a los músicos imitar sonidos de instrumentos "reales", sin embargo, esto requería de amplios conocimientos para obtener resultados concretos.Muchos de los presets del DX7 que buscaban imitar sonidos como el del piano eléctrico Rhodes, los sonidos de Bajo, o el famoso "Fantasy", alcanzaron identidad propia convirtiéndose en nuevos clásicos.

ROLAND D-50 (1987)Este instrumento incorpora un nuevo método de generación del sonido que se denomina síntesis por "Wavetable" o tabla de ondas.Este método es utilizado hoy por muchas marcas y modelos de sintetizadores.Los sonidos se forman a partir de muestras o "samples" de instrumentos reales resultando más fácil su programación.

KORG M-1 (1988): Este es el tercer sintetizador importante de la historia ya que con este instrumento se populariza el concepto de Workstation.La concepción "todo en uno", permitía a un músico realizar producciones con este único instrumento gracias a su capacidad de polifonía, multitimbricidad,secuenciador de 8 canales y procesador de efectos incorporado.

Audio

• Switched-On Bach (Wendy Carlos, 1968)
  • Sinfonía to Cantata Nro. 29 (MP3)
  
  
  • Invención a dos voces en D menor (MP3)
  
  
  • Invención a dos voces en B bemol mayor (MP3)
    

• Emerson Lake & Palmer
  • Lucky Man (MP3)
• Kraftwerk
  • Autobahn (MP3)
• Donna Summer (Producido por Giorgio Moroder)
  • I feel love (MP3)
• Giorgio Moroder 
• Electric Dreams (MP3)

Pianos Acústicos

Historia del Piano :

Desde la antigüedad hasta el piano de Cristofori

Para conocer el origen del instrumento que nos ocupa debemos remontarnos a la consideración de algunos otros instrumentos musicales más antiguos de los cuales el piano es, de alguna manera, una evolución. El más antiguo instrumento musical que inicia la línea evolutiva que culmina en lo que hoy conocemos como piano es la Cítara. Este instrumento es originario de Africa y del sudeste de Asia y se remonta a la Edad de Bronce (alrededor del año 3000 a.C.). Consistía en un conjunto de cuerdas dispuestas a cierta altura sobre una pequeña tabla, que eran puestas a vibrar mediante las uñas de los dedos o algún otro elemento punzante. Utilicemos un poco nuestra imaginación y tratemos de pensar en un instrumento musical que sea como una gran cítara, con una gran cantidad de cuerdas que, en lugar de ser puestas a vibrar por las uñas de los dedos o por algún elemento punzante, son puestas a vibrar mediante la percusión de un pequeño martillo sobre las mismas. El instrumento imaginado será un piano. Un instrumento posterior a la cítara, aunque con ligeras variaciones, fue el Monocordio (observe su fotografía en la página cinco del libro "Piano"). Su construcción se basaba en la colocación de una sola cuerda (de allí su nombre: Mono=una Cordio=cuerda) considerablemente más larga que las de la cítara, vibrando sobre una pequeña caja de resonancia construida de madera. Sobre este instrumento fue que Pitágoras, el famoso filósofo griego, realizó sus estudios sobre las relaciones entre los intervalos musicales, entre otros. El siguiente paso evolutivo lo constituyó el Salterio, un instrumento construido sobre los principios de la cítara pero con una forma trapezoidal en función de las distintas longitudes de sus cuerdas. Poseía una rudimentaria tabla armónica y pequeños puentes tonales. La forma trapezoidal del salterio es la que más tarde se hace presente en el diseño de los primeros harpiscordios. Una variación del salterio la encontramos en el Dulcimer (página cuatro del libro "Piano") que, siguiendo básicamente los mismos principios de construcción que el salterio, estaba pensado para que sus cuerdas no sean tocadas con las manos o con algún elemento punzante sino para que sean percutidas. El piano tal cual lo conocemos hoy en día se basa, entonces, en los principios de construcción de los instrumentos mencionados, cuyas cuerdas no son ya tocadas con las manos sino percutidas por martillos. Hay una serie de elementos constitutivos de todos ellos que, si bien han ido variando de forma, tamaño y material de construcción, se hallan presentes en el piano. Estos elementos se pueden resumir en los siguientes: un bastidor, esqueleto o estructura, un variado número de cuerdas tensadas a través de él que vibran a una determinada altura de una tabla o caja que se ocupa de amplificar su sonido. En los instrumentos más antiguos, salvo en el dulcimer, estas cuerdas, afinadas convenientemente y de muy distintas maneras a lo largo de la historia y de las regiones geográficas, son tocadas con los dedos. La idea de interponer algún tipo de aparato mecánico entre las cuerdas y los dedos, de tal modo que aquellas no tengan ya que tocarse directamente con los dedos, no es tan antigua y conforma uno de los últimos pasos en la evolución del piano. Se supone que los primeros intentos en este sentido tuvieron lugar alrededor de los siglos XII y XIII. Entre estos instrumentos encontramos al Clavicordio, un instrumento en el cual las cuerdas eran puestas a vibrar mediante un pequeño clavo o aguja metálico. Este clavo o aguja era puesto en movimiento desde un teclado accionado por los dedos. Este teclado, mediante sistemas más o menos complejos de piezas de madera o metal, resortes y paños, transmitía su movimiento al clavo o aguja. Este último "enganchaba" la cuerda y la liberaba inmediatamente poniéndola a vibrar. Un desarrollo posterior aunque contemporáneo al Clavicordio produjo un instrumento llamado Harpiscordio. La diferencia que encontramos entre ambos es que en este último las cuerdas eran puestas a vibrar mediante un plectro o con la nervadura de plumas de aves. Alrededor del año 1695 un italiano llamado Bartolomeo Cristofori comenzó a construir un instrumento que, aunque básicamente era de una especie similar al Clavicordio y al Harpiscordio, incluía en el diseño de su mecanismo un concepto revolucionario. Puesto que tanto el Clavicordio como el Harpiscordio ponían a vibrar las cuerdas mediante algún tipo de púa o plectro, las cuerdas comenzaban a vibrar siempre con el mismo volumen y tono independientemente de cuan rápida o lentamente se presionaran las teclas. En el instrumento desarrollado por Cristofori el elemento que ponía las cuerdas a vibrar era una pieza de madera con la forma de un martillo cuya punta estaba recubierta de cuero. Esto no producía un sonido metálico y estridente como en el Clavicordio y el Harpiscordio sino un sonido mucho más dulce y sostenido. Además, el mencionado martillo tenía un sistema de escape mediante el cual era posible variar tanto el volumen como así también el tono del sonido. En este instrumento estaba notablemente aumentada la capacidad expresiva musical ya que en él no era solamente posible producir un determinado sonido siempre al mismo volumen y tono, como se mencionó acerca de los dos instrumentos que anteceden al piano, sino que también era posible producir sonidos con más o menos volumen que otros y producir una muy ligera variación tonal. Y todo esto, claro está, era posible hacerlo desde el teclado, según como éste se tocara. Movimientos rápidos y bruscos de la tecla producían sonidos de gran volumen y brillantes; movimientos lentos y apaciguados producían sonidos de menor volumen y más dulces en cuanto al tono. Este fue entonces el primer piano que se construyó. El señor Bartolomeo Cristofori lo llamó "Forte-Piano", nombre que no significaba nada más que hacer referencia a lo que acabamos de decir como sus principales características: que el instrumento podía producir sonidos fuertes (forte) y suaves (piano). Hoy en día utilizamos más comúnmente la palabra Piano para referirnos a este instrumento. Bartolomeo Cristofori construyó tres pianos en toda su vida, el más antiguo de los cuales se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de New York

El Piano moderno Características, propiedades y modelos

Cuando hablamos del piano moderno nos referimos fundamentalmente a los pianos diseñados y construidos desde la última década del siglo pasado hasta el presente. Si bien este período de tiempo es muy amplio, los pianos que se construyeron en él pueden considerarse en conjunto puesto que las variaciones de diseño y materiales han sido menores. Dentro de los pianos modernos encontramos dos grandes grupos: Pianos verticales Pianos de Cola

Los pianos verticales se caracterizan por poseer el arpa, las cuerdas y los martillos perpendiculares al piso. Como resultado de esto nos encontramos con un piano en el cual su apariencia exterior es la de un mueble "parado". Los pianos de cola se caracterizan por poseer el arpa, las cuerdas y los martillos paralelos al piso. En este caso el tipo de mueble resultante esta "acostado" y el mueble en su parte posterior tiene forma de cola. Dentro de los pianos verticales nos encontramos con muebles de distintos tamaños. De aquí que pueda hablarse de distintos modelos genéricos de Pianos verticales. Estos se pueden resumir en los siguientes cuatro grupos: Vertical grande o antiguo (mal llamado "de concierto"), de más de 140 cm de altura. Vertical de estudio. De 110 a 139 cm de altura. Vertical Consola. De 98 a 109 cm de altura. Vertical Espineta. Menores de 98 cm de altura. Independientemente del tamaño también podemos clasificar a los pianos según la altura relativa del mecanismo con respecto al teclado. Así en los Verticales grandes encontramos mecanismos posicionados por encima de la altura del teclado y con alturas que van desde los 26 hasta los 40 cm. En los verticales de estudio, también con mecanismos posicionados por encima de la altura del teclado, encontramos mecanismos que van desde los 18 a los 25 cm de altura. En los Verticales Consola habitualmente encontramos mecanismos compactos posicionados sobre la altura del teclado. Por último, en los Verticales Espinetas el mecanismo se halla por debajo de la altura del teclado. También pueden encontrarse, especialmente en las medidas de Pianos Verticales Grandes o de Estudio, un tipo de piano muy antiguo llamado "a bayoneta". Este tipo de piano se caracteriza por poseer los apagadores situados por encima de la altura de los martillos y comandados por una serie de alambres al modo de bayonetas. En cuanto a los pianos de cola también encontramos entre ellos distintos tamaños, con lo cual también se los puede agrupar en grupos genéricos que en este caso son cinco, a saber: de Cola Mignon. Hasta 130 cm de largo. de ¼ Cola. De 131 hasta 189 cm de largo. de ½ Cola. De 190 hasta 225 cm de largo. de ¾ Cola. De 226 hasta 255 cm de largo. de Gran Cola. Superiores a 256 cm de largo. Otra clasificación que habitualmente se realiza con los pianos, independientemente que sean estos verticales o de cola, es su número o cantidad de notas o teclas. Entre los pianos modernos construidos dentro del período ya especificado se encuentran dos grandes grupos: Pianos de 85 Notas Pianos de 88 Notas Generalmente el número o cantidad de notas nos da solamente una referencia aproximada a la edad del piano. Sin generalizar se puede decir que la mayoría de los pianos construidos entre fines del siglo XIX y la primera década del siglo XX tenían 85 notas. Luego de ese período los pianos se construyeron y aún hoy se construyen con 88 notas. Sin embargo, encontramos algunos fabricantes de pianos como Steinway & Sons, que construían pianos de 88 notas ya desde los últimos años del siglo XIX. Otro grupo importante de pianos, independientemente que sean estos verticales o de cola, son los llamados pianos "pianolas" los cuales mediante un complejo sistema de fuelles de aire en el pasado o mediante un complejo sistema computarizado en la actualidad, son capaces de ejecutar por sí solos una pieza musical. En los pianos antiguos la música para reproducir en las pianolas venía grabada en "rollos". En la actualidad vienen grabadas en disquetes o CD-ROM.

Tomado de la Introducción al Curso de Afinación Profesional de Pianos que ofrece la Escuela de Tecnología Pianística de Buenos Aires - (c) 1998 Hugo J. Landolfi -

Audio

Relacionando los sonidos de piano acústico con el mapa de General Midi podemos encontrar en el programa Nº 01 (Piano Acústico/Clásico), el Nº 02 (Piano Brillante), el Nº 03 (Piano con sonido metálico y martillado) este último suele asociarse también con el sonido del Piano "electro-acústico" CP-70 y el Nº 04 (Piano de taberna un tanto desafinado).

• Ejemplo de Piano Acústico
• Acústico clásico (MP3)
• Brillante (MP3)
• Otro ejemplo de piano acústico (MP3)
• Sonidos de Pianos "Acústicos" del sintetizador Korg SG

Fotos

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PIANO DE COLA

PIANO VERTICAL