Sintetizadores

Historia y evolución de los sintetizadores.

Antecedentes (Sintesaurios)

Pioneros de la construcción de instrumentos electrónicos.

Guitarras Eléctricas y Acústicas

Historia, características y clasificación de las guitarras eléctricas y acústicas. Técnicas de ejecución. Procesadores de efectos más usados

Bajos Eléctricos y Acústicos

Historia, características y clasificación de los bajos eléctricos y acústicos. Técnicas de ejecución. Procesadores de efectos más usados

Pianos Eléctricos y Acústicos

Historia y características sonoras y constructivas de los primeros pianos portátiles electromecánicos.

Presentación-Siglo XX (Contexto)

Introducción a las características del Arte y la Música del Siglo XX

 

Playlist Música Siglo XX

Batería/ Kit de percusión


Orígenes del Drum Kit (Batería):

Los instrumentos de percusión son probablemente uno de los más antiguos en la historia de la humanidad, sin embargo, el conjunto denominado Batería o Kit de percusión (Drum Kit) no posee una antigüedad mayor a 100 años.Los orígenes de este se remontan a principios de siglo en las bandas de marchas y las denominadas "parade bands" de New Orleans. En esas formaciones había diferentes percusionistas que ejecutaban el Bombo (Kick), el Tambor (Snare) y los Platillos (Cymbals).Con el advenimiento del Jazz, aparecieron bandas donde un solo instrumentista ejecutaba bombo y tambor juntos en una estilo que se denominaba "double drumming". Más tarde se incorporaron los platillos y Tom-Toms originarios de China al igual que otros elementos como cencerros (cowbells) y cajas de madera (wooden blocks). Entonces fue diseñado el sistema de pedal con platillos conocido como Hi-Hat y también se volvió parte integral del kit. A mediados de los años1930's el conjunto standard con un bombo, un tambor, hi-hat, toms, y platillos había tomado forma. La forma típica de ejecución es mediante el uso de un par de palillos de madera aunque es muy frecuente, sobre todo en la música de Jazz, la utilización de escobillas. Estas son una especie de cepillo o pincel con hilos de alambre los cuales producen un sonido suave muy particular.Las siguientes innovaciones no se produjeron hasta los años 1960´s en que fue adaptado por los bateristas de Rock. El kit fué expandido con más platillos y toms de diferente diámetro y espesor, además en orden de conseguir mayor velocidad en el bombo, se diseñó el pedal de doble maza (double bass drum). Más recientemente con el desarrollo de la música electrónica, instrumentos de percusión electrónica fueron inventados.La mayoría consiste en un conjunto de cuerpos (pads) que al ser golpeados disparan sonidos de percusión que no necesariamente se corresponden con el kit standard.También con el uso de las técnicas de muestreo (sampling) el potencial de los sonidos que un percusionista o baterista puede producir aumentó considerablemente.

Máquinas de Ritmo (Drum Machines)

Los orígenes de las máquinas de ritmo se remontan a los años 50 cuando aparecieron los primeros equipos de acompañamiento rítmico destinado principalmente a los organistas que poseían patterns pregrabados haciendo referencia a distintos estilos o ritmos como Tango, Waltz, Bossanova, Foxtrot, March, Bolero, etc. 

Entre estos instrumentos pioneros podemos citar el Sideman fabricado por la empresa de Órganos, Pianos eléctricos y Jukebox Wurlitzer que incluía una serie de ritmos seleccionables , un amplificador y parlantes de 10" (graves) y 2.8 " (agudos). Una de las cosas extrañas de este aparato es que sus ritmos no tenían el efecto o sonido de snare. Otros pioneros son el Korg Doncamatic (1963) y el Kent K-200 (1960).
Los años 80 fueron muy importantes en la evolución de la música electrónica. La aparición de los sintetizadores con varias voces de polifonía, la posibilidad de almacenamiento en memorias digitales, los nuevos métodos digitales de síntesis sonora, el establecimiento de la norma MIDI, el lanzamiento de MTV etc. crearon el clima propicio para que los instrumentos electrónicos estuvieran a la orden del día. Es en este entorno que la empresa Roland lanza al mercado las series de instrumentos TB (bass & sequencer) /TR (drum machines) la primera conocida por sus bailables líneas de bajo que prácticamente inventaron la música dance, acid house, tecno,etc. y la segunda famosa por sus loops de percusión generados analógicamente .En la serie TR sobresalen dos modelos que han sobrevivido con el paso del tiempo y son verdaderos clásicos entre las máquinas de ritmo, TR-808 y la TR-909. 


La TR-808 aparecida en el 1980 puede ser escuchada en incontables baladas, en el rythm & blues, rap, hip-hop y en la música dance y tecno. Sus sonidos incluyen low kick, snares, low/mid/hi toms, low/mid/hi congas, rimshot, claves, handclap, maracas, cowbell, cymbal, open hihat, y closed hihat. Todos sus sonidos poseen algunos parámetros de edición y salidas individuales pero no posee MIDI. También fue distinguida como la primer máquina de ritmo con memoria no-volátil es decir que los patterns grabados no se borraban al apagar el instrumento.La TR-909 aparecida en 1983, posee sonidos sampleados (en baja resolución) de platillos y hi-hat pero el resto provienen de su circuitería análoga.Cada sonido al igual que la 808 posee controles y salidas individuales además de la interface para grabación de patterns de 16 pasos que es muy fácil de usar. Fue la primera de esta serie de Roland que implementaba MIDI e incluía Bass, Snare, Hi Tom, Mid Tom, Low Tom, Hi-Hat, Rim Shot, Hand Clap, Crash, Ride.Para concluir podemos decir que la 909 posee un sonido más potente que la 808 pero en ambas, con excepción de los platillos en la 909, los timbres son bastante irreales y sintéticos pero han alcanzado identidad propia con el paso del tiempo.
Audio
El mapa de General Midi establece solamente un kit de percusión Standard con una determinada distribución de los sonidos en cada una de las teclas, sin embargo, las modificaciones de la norma Roland GS y Yamaha XG han agregado variaciones de tambores, bombos, toms, platos, etc. para una mejor adaptación a los distintos estilos musicales.Es así que en los sintetizadores más modernos podemos encontrar al menos 8 o 9 Kits organizados de la siguiente manera:
GM Kit: Kit General midi Standard
Power:Kit cuya característica es la potencia de sus sonidos de bombo tambor y toms
Analog: Kit que hace referencia a las máquinas de ritmo analógicas como la TR-808.
Jazz: Kit que hace referencia a la forma de ejecución y sonido de las baterías de Jazz.
Brush: Kit que hace referencia a la técnica de ejecución con escobillas, también muy usado en el Jazz
Percusión: Conjunto de diversos accesorios de percusión.
Dance: Kit que hace referencia a los sonidos de las máquinas utilizadas en el estilo Dance y Tecno, fundamentalmente sonidos tipo TR-909.
Orchestral: Sonidos orquestales, timbales,tambores y platos típicos en la música clásica
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Drum machines

Órganos Electromecánicos y Electrónicos

 EN CONSTRUCCIÓN

Theremin

León Termen y "El instrumento que se toca sin ser tocado":

El "Theremin" es quizás el más inusual de los instrumentos musicales emergidos en el siglo 20. Diseñado por el científico ruso León Termen, alrededor de 1920 cuando era estudiante en la universidad de Petrograd, es el resultado de experimentos con radio y tecnología de válvulas de vacío. Lejos de ser percutido, soplado o accionado por un teclado, este instrumento es ejecutado cambiando la proximidad de las manos sobre dos antenas, una controlando la afinación (Pitch) y otra controlando el volumen. El theremin opera usando un principio de radio llamado Heterodinamia. La heterodinamia es un método que combina dos frecuencias de radio para producir una tercera que es igual a la diferencia entre las dos radio frecuencias y que está en el rango de la audición humana (20hz a 20.000hz). En el caso concreto del theremin se trabaja con dos osciladores de radio frecuencia, uno fijo a 170.000hz. y otro variable, determinado por la proximidad de las manos del intérprete a la antena de pitch, entre 168.000hz y 170.000hz. En consecuencia la diferencia entre las dos radio frecuencias es una frecuencia o tono audible entre 0 y 2000hz. El primer compositor en usar el theremin fue A.F. Paschtshenko, su composición "Una Sinfonía Misteriosa" para Theremin y orquesta fue estrenada en Mayo de 1924 por la Filarmónica de Leningrado.
Clara Rockmore
Pero sin ninguna duda la intérprete más destacada fue Clara Rockmore, una violinista profesional desde los 9 años quién vio el potencial de este instrumento y estableció definitivos estándares para las técnicas de su ejecución. Puede ser escuchada en el CD "El Arte del Theremin" (1987) donde ejecuta obras de Rachmaninoff, Stravinsky, Ravel, Tchaikovsky, etc. acompañada por su hermana Nadia Reisenberg en piano. El theremin escuchado en este disco fue construido por el propio León Termen y su sonido se asemeja a algo entre una voz humana y un violín. Este instrumento puede ser escuchado en numerosas películas de misterio y ciencia-ficción de los años cincuenta. Aún es utilizado en el mundo del cine para crea efectos especiales y posee una gran cantidad entusiastas alrededor mundo. Lo que podemos aclarar es que, a diferencia del original, las versiones actuales del theremin son transistorizadas e irónicamente, en muchos casos, fabricadas por el padre del sintetizador Robert Moog. La importancia del Theremin radica en sus fines prácticos y en la gran cantidad de ignotos intérpretes que desencadenó una avidez por la música electrónica.

Películas / Series: "Lost in Space"-"Yo amo a Lucy"-"Mi Marciano Favorito"-"Star Treck"-"Ed Good"-"Forbidden Planet"- "The Day the Earth Stood Still - (Ultimatum a la Tierra)".


Intérpretes: Led Zeppelin-Portishead ("Dummy")-Beach Boys- Marillon- Marilyn Manson-Pixies-The Manatees







Clips de Audio/Video

Clara Rockmore - The Swan (Camille Saint-Saëns)

    

Leon Theremin muestra su invensión en 1927

     

  Leon Theremin 1930 

 

Antecedentes Parte I

 Elisha Gray "El Telégrafo Armónico":


Los primeros experimentos con instrumentos electrónicos se remontan al siglo pasado, en la poca que Graham Bell patentaba el teléfono. Allí el nombre de Elisha Gray aparece como el del hombre que mantuvo una batalla legal con Bell por la invención del teléfono en 1876 y que, según dicen, llego solo dos horas más tarde que este a inscribirlo en el registro de patentes. Aunque perdió esa batalla, la historia no fue tan indiferente con Gray, pues a él se le atribuye la creación del primer "instrumento musical " de generación electrónica. Corría entonces el año 1874 y podemos indicarlo como el verdadero punto de partida de una serie de experimentos que establecieron los principios básicos de la música electrónica. Gray creó los elementos básicos de un instrumento electrónico: un oscilador y un transductor (básicamente un parlante que transforma una corriente eléctrica en una señal de audio). Así nace el primer "Telégrafo Musical" o "Telégrafo Armónico" el cual estaba equipado con suficientes osciladores de tono simples como para tocar dos octavas. Desde ese momento Gray comenzó una gira por diversas ciudades realizando un espectáculo donde presentaba este "curioso" instrumento.

El " Telégrafo Armónico"
 William Duddell "El Arco Cantante":

Por el año 1900 ya había luz eléctrica en las calles de Londres, sin embargo el dispositivo usado no era la lámpara de Edison ya que esta no producía suficiente luz para una calle. Lo que se usaba era una lámpara de arco de carbón que producía una chispa entre dos nodos. El problema de este aparato era el constante, molesto y humeante sonido qué producía. El físico William Duddell buscó la manera de eliminar este ruido, tratando por algún medio de controlar su frecuencia, y lo logró. Duddell encontró que variando el voltaje aplicado a la lámpara podía crear frecuencias audibles controlables. Posteriormente conectó un teclado a su dispositivo controlado por tensión y comenzó a recorrer el país mostrando su invento. El "Arco Cantante" no fue mas que una novedad a comienzos de esta centuria.

Lámpara de Arco de la ciudad de Londres

Thaddeus Cahill "El Telharmonium":


El canadiense Thaddeus Cahill es considerado como el inventor del primer instrumento electrónico musical "serio", el "Telharmonium". Su patente de 1896 lo describe como un aparato con dispositivos de generación de tonos eléctricos, dispositivos de control dinámico para la generación de tonos, un teclado para activar los circuitos de generación de tonos y un parlante. De los tres Telharmoniums construidos solo quedan alguas pocas fotos como testimonio de su existencia. El primero iniciado en 1895, patentado en 1896 y terminado en 1900, el segundo construido in Holyke,Massachusetts (luego trasladado a New York) y el tercero iniciado en 1908 terminado en 1911 y aún en uso en 1916.
La complejidad de esta máquina es sorprendente. El sistema de generación de tonos consiste en 12 ejes en los cuales están montados una serie de dínamos (145 en total). Cada dínamo crea una oscilación eléctrica para una determinada frecuencia o tono. Cada eje rota a la velocidad correspondiente a la frecuencia de una de las 12 notas de la escala cromática. El Telharmonium fue una inmensa estructura de 200 toneladas y un costo de U$S 200.000 que ocupaba todo un piso en la 39th Street y Broadway de la ciudad de Nueva York. Fue utilizado para transmisiones de música eléctrónica a través de las líneas telefónicas a partir de 1900 y era ejecutado por dos músicos (Cuatro manos). Se dice que las transmiciones de música a través de las líneas telefónicas interfería con el resto de las llamadas que estaban siendo realizadas en la red. También existe un rumor sobre un hombre de negocios de la ciudad de N.Y. que enfurecido por las constantes interferencias irrumpió en el edificio donde estaba el Telharmonium y lo destruyó arrojando parte de sus piezas a la rivera del río Hudson. En 1907 con el Thelarmonium en mente, Ferruccio Busoni publica "Sketch for a New Aestetic of Music" refiriendose al uso de la electricidad y a las nuevas fuentes de sonido en la música del futuro. Esto tuvo un profunto impacto en uno de sus alumnos, Edgard Varese. Los principios del Telharmonium fueron usados para el diseño del órgano Hammond (jazz) a comienzos de los años treinta.  
El Telharmonium


Guitarras Acústicas y Eléctricas


Orígenes de la Guitarra:


Según la hipótesis de algunos historiadores, los primeros instrumentos de música fueron sencillas cañas provistas de agujeros, que fundan la familia de los instrumentos de viento. Siguieron después otros hechos de cráneos, recubiertos de parches de cuero, que fueron los primeros instrumentos de percusión. Atándoles cuerdas, se da comienzo a la familia de los instrumentos de cuerda. A continuación tenemos dos ejemplos: un instrumento con el mango fijado a un cráneo humano (fig. 1) y una lira construida con un caparazón de tortuga (fig. 2)

La familia de los instrumentos de cuerda comprende tres grupos: · Instrumentos de cuerda que se pulsan al aire (arpa antigua, cítara, arpa antigua, etcétera.) en los que cada cuerda produce una única nota que, una vez pulsada, vibra en toda su extensión. · Instrumentos de cuerda que se pulsan al aire y que al mismo tiempo se pisan en el mango a diferentes alturas, obteniéndose de esta manera en cada cuerda notas diferentes (laúd, vihuela, guitarra...) · Instrumentos de cuerda que se frotan con un arco o puntean con un plectro, tales como el ud, la vihuela de arco, la vihuela péndola, violín, viola, etcétera. El hecho de que hablemos, no solamente de la historia de la guitarra, sino también de otros instrumentos pertenecientes al segundo grupo, obedece a que las líneas del desarrollo de estos instrumentos están estrechamente implicadas entre sí. Se dispone de pocos datos ciertos acerca de los milenios que ha durado la evolución de la guitarra hasta llegar a su estado actual, y por otra parte, sus formas intermedias se superponen tan frecuentemente entre sí, haciendo poco menos que imposible su identificación. Será más útil ver estos instrumentos como un conjunto histórico. Según la mitología antigua, el origen de los instrumentos de cuerda punteada se remontaría a la lira cuya invención atribuyen los egipcios a Thot Trismegiste, los egipcios a Hermes, y los hebreos a Jubal. Según Pitágoras, se tañía la plandura, instrumento de mango con tres cuerdas, en el Asia menor. Los persas la conocieron bajo el nombre de sambleca, y los árabes bajo la denominación de sambiud. El instrumento característica de la música islámica árabe fue el ud, más exactamente al-ud. Este nombre originó los vocablos laúd en español, liuto en italiano... etc. Se afinaba por cuartas (la, re, sol, do y fa) y pisando las cuerdas en el mástil sin trastes se obtenían las doce notas de la escala cromática. El laúd es un instrumento de origen arábigo-islámico con nombre árabe. La vihuela, un instrumento de origen arabigo-asiático con nombre romano, y la guitarra un instrumento de origen arabigo-asiático con un nombre grecorromano.

La Guitarra Clásica en la actualidad:


Después de sucesivas modificaciones , la guitarra ha quedado de la siguiente manera: tiene un cuerpo plano y entallado, con un agujero redondo y un mástil con trastes, a lo largo del cual hay seis cuerdas, sujetas a un extremo con clavijas de tornillo y por el otro a un puente pegado a la caja del instrumento. Las tres cuerdas agudas solían ser normalmente de tripa o naylon, aunque actualmente ya no se ven las cuerdas de tripa; las otras tres cuerdas (graves) son de nailon entorchadas en metal. Se afinan mi2, la2, re3, sol3, si3 y mi4, con una extensión de tres octavas y una quinta. Los dedos de la mano izquierda del intérprete presionan las cuerdas en el traste adecuado para producir las notas deseadas, los de la derecha pulsan las cuerdas. Algunas guitarras con cuerdas metálicas se puntean con un plectro o púa. Existen diversos conjuntos de guitarras, desde la baja al guitarrín, y con diversos números de cuerdas. Se tocan en España e Iberoamérica. La guitarra de veinte cuerdas tiene seis cuerdas dobles en la afinación normal. La hawaiana (ukelele) se coloca a lo largo de las piernas del ejecutante, que pisa las cuerdas metálicas y hace que se apoyen sobre el traste (estrecha tira metálica) en el mástil. Las cuerdas se afinan habitualmente según un acorde tipo. La guitarra eléctrica, utilizada en la música moderna en todo el mundo, tiene normalmente un cuerpo macizo no resonador. El sonido de sus cuerdas es amplificado y manipulado electrónicamente por el intérprete. El músico e inventor estadounidense Les Paul desarrolló prototipos para el cuerpo de la guitarra eléctrica y popularizó el instrumento a partir de la década de 1940.

La Guitarra Eléctrica Archtop

Gibson ES-150
En los años 1920s,ante el auge de la radio y el teléfono, inventores e ingenieros comenzaron a experimentar con la posibilidad de amplificar guitarras mediante el uso de la electricidad. Hubieron una gran variedad de métodos partiendo del más simple que consistía en ubicar un micrófono dentro del cuerpo o caja de una guitarra acústica (hollowbody).Sin embargo el primer gran suceso del uso de la electrónica para amplificar una guitarra fué "the Frying Pan guitar"(una steel guitar o guitarra hawaiana) diseñada por Adolph Rickenbaker y George Beauchamp en 1931.
The Frying Pan
El éxito se debió al desarrollo del pickup electromagnético que permitía transformar la vibración de las cuerdas en una corriente eléctrica mediante la variación del campo magnético generado por el pickup.Así aparecieron los guitarras conocidas como electric Archtop o Hollowbody como la famosa línea ES (Electric Spanish)de Gibson (ES-150, ES-250) a la que agregó hacia fines de los años cincuenta la línea Thinline o Semi-hollow(delgada o media-caja) con modelos com la ES-335, ES-345, ES-355.Uno de los primeros grandes cultores fue el guitarrista de jazz Charlie Christian quien empezó a usar este invento hacia 1937 y fue pionero en demostrar su potencial a través de sus solos.De esta manera dio un rol melódico y a la vez más protagónico a un instrumento que hasta entonces cumplía una función rítmica y armónica. La razón de este nuevo rol se debe en gran parte a la equiparación del volumen de la guitarra con respecto a otros instrumentos solistas de la orquesta como la trompeta o el saxofón.

La Guitarra eléctrica de cuerpo sólido (Solidbody)

Fender Telecaster
Las primeras guitarras eléctricas tenían serios problemas de acoples y distorsiones ya que el pickup captaba el sonido de la caja de resonancia.Estas básicamente eran guitarras acústicas con cuerdas de acero a las que se le había agregado el pickup por debajo Para solucionar estos inconvenientes se hizo necesario una guitarra de cuerpo sólido que fué desarrollada en los años 1940s por el guitarrista Les Paul, inventor además de la grabación multicanal, y Leo Fender. Fue Les Paul quién a principios de los años 40 transformó una guitarra Epiphone colocándole una pieza maciza de pino de 4x4 pulgadas a la cual sujetó el puente, las cuerdas y los pickups. Esta "monstruosidad" fue bautizada "The Log" y llamó la atención de los ejecutivos de la empresa fabricante de guitarras y mandolinas Gibson, sin embargo, pasaría una década hasta que estos diseños vieran la luz comercialmente.El primer paso en este sentido fue dado por el técnico de radio y aficionado de la electrónica Leo Fender quién introdujo en el mercado en el año 1950 la primera guitarra de cuerpo sólido comercialmente exitosa denominada Broadcaster, rebautizada después Telecaster (1951) por problemas legales con la compañia Gretsch.Esta última famosa or la fabricación de Baterías tenia un modelo denominado Broadkaster Lug. Fender había fundado en 1946 la Fender Manufacturing Company transformándose luego en Fender Electric Instrument Company y básicamente venía produciendo amplificadores y steel guitars (Guitarra hawaiana).La Telecaster conocida simplemente como Tele posee un brillante y penetrante timbre que está dado principalmente por la proximidad de uno de sus pickups con el puente lo que lleva a resaltar u obtener mayor presencia en las frecuencias agudas.La Tele es hoy la guitarra de cuerpo sólido que más años a permanecido en el mercado sin alteraciones en su diseño. Si bien Gibson fabricaba desde hacía algún tiempo guitarras eléctricas del tipo Archtop o Hollowbody (con caja de resonancia), ante el éxito de estos nuevos instrumentos, los directivos de la compañía decidieron convocar a Les Paul para realizar un diseño con la característica Solidbody (cuerpo sólido) y es así que en 1952 apareció comercialmente la legendaria Gibson Les Paul .Este modelo cambió la imagen de las guitarras de cuerpo sólido desde una simple placa de madera a una elegante y estilizada pieza de arte. Un par de años más tarde en 1954 y ante un nuevo desafío comercial Fender desarrollo otro modelo, tal vez el más imitado y famoso de la historia, la Stratocaster que incorporaba tres pickups (la mayoría de las guitarras hasta ese momento tenían uno o dos) y agregaba lo que se llamó en ese momento la palanca de trémolo sincronizado. Este último elemento en realidad produce variaciones de la afinación (pitch) por lo que debemos decir que el efecto es de vibrato ya que el trémolo es una variación del volumen o amplitud.

Captadores o Pickups

Los captadores son usados como se dijo anteriormente para convertir el sonido en una señal eléctrica para ser reproducida por un amplificador. A pesar de la gran variedad que hay en el mercado hoy en día, podemos clasificarlos básicamente en dos tipos: Single-coil (Bobina simple) y Humbucking (Bobina doble).Los pickups Single-coil son los que poseen los modelos de Fender Telecaster y Stratocaster dándole a estos instrumentos un color brillante pero como desventaja son muy susceptible al ruido.Por otro lado los humbuckers como los Gibson PAF son similares pero en este caso se colocan dos single-coil en serie pero invertidos de fase produciendo mayor volumen, menos susceptibilidad a los ruidos pero a la vez un sonido más oscuro debido a las cancelaciones de las frecuencias agudas.Estos son los utilizados por los modelos Les Paul a partir del año 1957 (anteriormente venían con pickups Gibson P-90 single-coil) y son los que han otorgado el sonido característico de estas guitarras a lo largo del tiempo.

Efectos

Uno de los más populares efectos desde los años 1950s y 1960s es la "distorsión" u "overdrive".Este no fue intencional y surgió por el calentamiento de las válvulas a alto volumen y el largo tiempo en que los amplificadores estaban encendidos.Con el transcurso del tiempo este sonido se volvió popular y los amplificadores empezaron a ser construidos para producir el efecto .Con el advenimiento de los transistores se diseñaron dispositivos electrónicos para conseguir "artificialmente" este sonido.Otro efecto muy popular en los 1970s fue el pedal de "Wha -Wha".Este pedal enfatiza distintos armónicos de la señal en forma proporcional a la depresión del mismo.Básicamente es un filtro el cual en vez de controlarse con una perilla se mueve ,haciendo más oscuro y brillante el sonido, con la depresión del pedal.No podemos dejar de citar el efecto de vibrato producido por la mal llamada palanca de "trémolo" y el efecto de trémolo propiamente dicho que se encontraba en algunos amplificadores y que producía como se dijo anteriormente variaciones en forma periódica del la intensidad o volumen de la señal.En los años 1980s se popularizaron otros efectos como el Phase Shifter (desplazador de fase), el Flanger, el Chorus ,el Delay, el Pitch Shifter (desplazador de afinación), etc. También con la llegada de la era digital surgieron dispositivos llamados "Multiefectos" en los cuales se pueden encontrar la mayoría de los antes mencionados con la posibilidad de combinarlos y guardarlos como un preset en una memoria RAM.

Técnicas de Ejecución

Existen básicamente dos formas de tocar la guitarra eléctrica la primera consiste en la utilización de un plectro o púa de material plástico o metálica para percutir las cuerdas.En la segunda se utilizan los dedos aunque esta técnica es más común en las guitarra clásicas y acústicas. Sin embargo muchos guitarrista combinan ambas. Otra técnica con un sonido muy particular es la conocida como "mute guitar" esta última se consiguen apoyando la mano derecha sobre las cuerdas, asordinándolas obteniendo así un sonido oscuro, sin sostenimiento y bastante percusivo.También en el blues y la música country es común la técnica de Slide que consite en la utilización de un elemento cilíndrico de metal o vidrio que se desliza sobre las cuerdas obteniendo el típico sonido "hawaiano".Finalmente podemos citar algunas técnicas surgidas en los años 1980s como el Tapping que básicamente consiste en utilizar los dedos de ambas manos para percutir las cuerdas sobre el mástil de una forma similar a la de los martillos en las cuerdas del piano.

Audio

Relacionando los sonidos de guitarra con el mapa de General Midi podemos encontrar el programa Nº 25 (Guitarra clásica o acústica con cuerdas de Nylon), el Nº 26(Guitarra acústica con cuerdas de acero), el Nº 27 (Guitarra Jazz o Archtop), el Nº 28 (Guitarra eléctrica limpia muy asociada al sonido Fender Stratocaster), el Nº 29 (Guitarra Mute) ,el Nº 30 y 31 (Guitarra con Overdrive y Distorsionador respectivamente), y el Nº32 (Armónicos de guitarra con overdrive)

Audios:

Bajo Acústico y Eléctrico

Origenes del Contrabajo


Haciendo un poco de historia es en el siglo XVI en donde nos encontramos con el LIRONE o ARCHIVIOLA DA LIRA, llamada también ACCORDO, el cual era un voluminoso instrumento de arco perteneciente a la familia de las violas, que llegó a poseer hasta 24 cuerdas, varias de las cuales estaban situadas al lado del diapasón a manera de bordones, lo que hacía la ejecución bastante incómoda por lo que su número fue prontamente reducido a 12 y más tarde a 6 cuerdas afinadas a la octava grave de la viola da gamba: re, sol, do, mi, la y re, tomando el nombre de Violone. (En italiano la terminación "one" es aumentativo). Este instrumento con el cual se obtenían unos estupendos bajos fue paulatinamente cayendo en el olvido, y a lo largo del siglo XVII los compositores se quejaban de este abandono injustificado y todavía a principios del siglo XVIII estos no encontraban razón alguna para que el VIOLONCELLO, sucesor de la Viola da Gamba, fuese el único bajo de cuerda utilizado en la orquesta. La insistencia de los compositores terminó por tener buena acogida y pronto un nuevo instrumento de cuatro cuerdas llamado Violone se instalaría en la orquesta definitivamente. Desde su creación, el contrabajo sufrió constantes evoluciones tanto en el encordado como en su afinación. Al principio sus cuatro cuerdas estaban afinadas por quintas a la octava grave del Violoncello lo que producía dificultades de digitación. Seguidamente y durante mucho tiempo se fabricaron contrabajos de tres cuerdas con distintos tipos de afinaciones con lo cual se lograba solucionar algunos problemas técnicos pero generaba otros en cuanto a interválica. Sólo en 1832 Cherubini, entonces director del Conservatorio de París, y Habeneck, inspector general de estudios, decidieron adoptar definitivamente la enseñanza del contrabajo de cuatro cuerdas: Mi, La, Re, Sol, tal como se emplea actualmente. Debemos agregar que en cuanto al encordado, las cuerdas eran en un primer momento de tripas (vísera de animal) las que emitían un sonido bastante opaco aunque profundo, pero con poca  proyección, y estaban amarradas al tiracuerdas en la parte posterior y enrrolladas en el clavijero, el cual era de madera de ébano y de tipo llave, similar a los actuales violines; actualmente son de bronce y algunos instrumentos poseen microafinadores. Con el tiempo tanto este tipo de cuerdas como el contrabajo de tres cuerdas fue desterrado de las grandes orquestas, utilizándose sin embargo durante bastante tiempo en pequeñas orquestas de baile. Actualmente existen contrabajos de cinco cuerdas que surgieron como respuestas a las exigencias de la música Wagneriana. Esta cuerda es una tercera mayor más baja que la cuarta cuerda de afinación normal -o sea, un Do- ya que anteriormente la cuarta cuerda debía ser bajada y por lo general no sonaba bien al estar en exceso flexada. El problema quedaría definitivamente solucionado con la aparición de los instrumentos de cinco cuerdas. Do, Mi, La, Re y Sol (de abajo hacia arriba) y también con el diseño y construcción de un encordado especial para estos instrumentos. En general las actuales orquestas emplean siempre contrabajos de 4 cuerdas a las que se agregan algunos instrumentos de cinco.

El Contrabajo en la música del Siglo XX:


Al entrar en la música del JAZZ el contrabajo, ya maduro en su evolución, entraría a formar parte de la llamada sección rítmica de las agrupaciones  emergentes ya que al ser pulsado con los dedos en forma de Pizzicatto otorga al contexto una riqueza rítmica y una pulsación difícil de lograr con otros instrumentos de registro grave; adquiere también una mayor libertad en su accionar sin perder su función vital de sustentar la base armónica haciendo de puente entre la sección rítmica y melódica-armónica pero adquiriendo a la vez un mayor protagonismo tanto en el acompañamiento como en la participación de solos a veces bastante extensos. El JAZZ es actualmente un lenguaje enriquecido según algunos y contaminado según otros por una gran diversidad de fusiones de estilos, tendencias y conceptos nuevos que se le suman día a día; por lo tanto a la hora de nombrar a los grandes exponentes del contrabajo se puede pecar de parcialidad regida por el ánimo del momento; sin embargo, existen algunos contrabajistas de JAZZ que de alguna manera siempre están presentes en la memmoria de los aficionados o profesionales de este instrumento. Cómo no recordar por ejemplo, a Scott Lafaro que en su musicalidad y riqueza melódica se transformó en uno de los primeros grandes y audaces solistas de su época; a Ron Carter, un maestro en cuanto a pulsación y el manejo de las pulsaciones armónicas; Ray Brown, en cuanto a profundidad y peso del sonido; Charles Mingus en la composición de grandes blues, gran expresividad, sonido y pulso; Eddie Gomez, gran poeta, virtuoso y de gran riqueza melódica y armónica, y con manejo de las tensiones rítmicas; Miroslav Vitous, grandioso en el manejo del arco, virtuosismo, pulso y vitalidad; Neils Petersen, solista de gran solvencia; Dave Holland, musicalidad y expresión. Lamentablemente, con el hecho de nombrar a algunos se corre el riesgo de dejar a otros fuera, como el gran número de los contrabajistas de las Big Bands, combos y otras agrupaciones menores.

El Bajo Eléctrico
Fender Precision -1951
El bajo eléctrico aparece en la música popular durante la década de los años cincuenta en plena era de Rock n' Roll, cuando el contrabajo de concierto que también se utilizaba en la música popular tocado en forma de pizzicato (pulsado con los dedos) se va viendo cada vez más exigido por el avance de la electrónica, ya que la guitarra eléctrica estaba en plena vigencia así como también órganos y pianos eléctricos a través de los cuales se investigaba cada vez más en la perfección de equipos de sonido para estos y otros instrumentos. Aunque era posible amplificar el bajo acústico, este no rendía el peso sonoro sobretodo durante las actuaciones en vivo para sustentar a un cuarteto de Rock n' Roll, Country o Blues. El Rock n' Roll era cada vez más popular y las giras de los grupos en USA eran cada vez más intensas, por lo tanto el traslado del instrumento debido a su tamaño y fragilidad lo hacía diicil y costoso. Pensado para desempeñar la misma función que el bajo acústico e inspirado en la construcción de la guitarra eléctrica, , el cual quedaba colgado al cuerpo del músico en forma perpendicular (igual a la guitarra) careciendo así de puntal y sus medidas fueron sintetizadas para hacerlo más anatómico. Los principios de amplificación eran básicamente los mismos de la guitarra es decir por medio de cápsulas magnéticas instaladas debajo de las cuerdas en la parte central del cuerpo. Este bajo poseía también entrastadura por lo tanto era de afinación fija que lo hacía aparentemente más fácil de tocar. En resumen era igual a una guitarra eléctrica pero con cuatro cuerdas más gruesas, las cuales se afinaban a la octava de las cuatro últimas cuerdas de la guitarra: Sol; Re;La;Mi. De ahí posiblemente el nombre que adoptó: guitarra baja (Bass guitar). Fue Leo Fender quién en 1951 lanzó por primera vez un intrumento de este tipo y lo denomino Fender Precision y el nombre no es casualidad: frente a los tradicionales contrabajos, con la tabla del mástil completamente lisa, el nuevo instrumento incorporaba trastes, al igual que las guitarras española y eléctrica, esta última también inventada por Fender, junto a Rickenbacker y Gibson. Parece una tontería, pero el detalle de los trastes hace que la afinación del Bajo sea mucho más "precisa", de ahí el nombre de Precision. Pero la revolución fundamental que representa el bajo eléctrico frente al contrabajo es la de la amplificación del sonido y su portabilidad. Luego en el verano de 1960 Fender lanzó un segundo intrumento que denomino Fender Jazz Bass que a diferencia de su antecesor contaba con dos juegos de captadores o micrófonos uno en la parte central del cuerpo y el otro cerca del puente, un control de tono y dos controles de volumen individuales. Desde el punto de vista del sonido el Jazz Bass posee uno más brillante, contrario al oscuro y profundo del Precision,  debido fundamentalmente al captador que está próximo al puente. Por otra parte el Jazz Bass, gracias a los controles de volumen individuales para cada micrófono, permite dar distintos balances entre ambos y obtener así diferentes matices sonoros.
Fender Jazz Bass -1960
Aunque este instrumento se popularizó tanto que desplazó de la escena musical a sus antecesores por la comodidad y funcionalidad que otorgaba al bajista, tardaría más de veinte años en incorporarse al Jazz. Recién en 1970 fue Miles Davis quien lo lleva a este lenguaje causando una verdadera revolución en el sonido jazzístico de la época. Sin embargo como los procesos son siempre graduales, este bajo ya había madurado dentro de la misma música negra, en el Soul, como también el Blues y el Rock hacia fines de los sesenta, en donde ya empezaban a emerger figuras que marcarían puntos de referencia. En la actualidad es un instrumento que ha alcanzado un gran protagonismo en el aspecto del solista sin perder su función básica y original de sustentar a la banda. La aparición de bajos eléctricos fuera del díseño oríginal ha contribuído a la creación de nuevos conceptos de ejecución. Instrumentos como el eléctrico vertical, el Frettless (Sin trastes)y el bajo de 5 y 6 cuerdas, han sido popularizados por los grandes y famosos exponentes que todos conocemos, sin embargo, los origenes de estos no resultan ser tan nuevos o actuales como pudiera parecer. Stanley Clarke Con anterioridad al famoso 6 cuerdas de John Patitucci existía un modelo de la Fender hace más de 2 decádas que seria prácticamente el padre del actual, sin embargo Patitucci contribuyó con gran acierto al aspecto solista del cual Pastorius sin duda es el más grande. El bajo Frettles popularizado por este último habría tenido sus orígenes dentro de la música tropical o latina hace ya varias décadas. Hoy existe una gran variedad de bajos eléctricos hasta de 8 cuerdas dobles y singles.

Técnicas de Ejecución

Existen varias formas de tocar el bajo eléctrico, además de la ya conocida técnica de "pizzicatto" con los dedos utilizada tambien en el contrabajo.En tal sentido podemos agregar la técnica con púa y la técnica de Slap Popping. La primera consiste en la utilización de un plectro o púa de material plástico o metálica para percutir las cuerdas.En la segunda se utiliza la mano derecha para lograr un sonido de chasquido que resulta ser muy rítmico .Los dedos que se utilizan son: la parte exterior del pulgar, con la que se golpea la cuerda sobre el mástil (en el último tramo de este, aproximadamente sobre el traste #20) y el índice, con el que literalmente se hace restallar la cuerda contra los trastes, esto se consigue, levantándola con la yema del dedo, separándola del mástil y después soltándola bruscamente. Por otro lado, con la mano izquierda se pulsan las notas como siempre más el agregado de las llamadas "notas muertas".Estas últimas se consiguen apoyando la mano sobre la cuerda asordinándola e impidiento que vibre.

Bajos Sintéticos

Moog Taurus
La idea de ejecutar líneas de bajo desde intrumentos de teclado la podemos encontrar a fines de los años cincuenta con la aparición del Fender Piano Bass. Sin embargo, no es hasta la aparición comercial de los sintetizadores a fines de los 60´ y el auge de la música electrónica que esta idea se hizo popular. Uno de los sonidos de bajo sintético más famoso proviene de la línea de sintetizadores Moog, pero virtualmente cualquier sintetizador puede generar uno.Otro instrumento muy usado es el Roland SH-101 y otro, de esta misma marca, es el TB-303 aparecido a principios de los 80´.


TB-303
Este último consistía en un sintetizador que proveía 2 formas de onda básicas (Diente de Sierra y Cuadrada) más un secuenciador y un filtro resonante elemental. El compás se divide en 16 pasos y no tiene un teclado tal como los conocemos ya que en relidad es solo una botonera dispuesta de la misma forma que las teclas en un piano con una octava de extensión. La líneas de bajo de este tipo son muy populares en la música electrónica actual como Dance, Acid House, Trance, Tekkno etc. Debido fundamentalmente a su forma de programación las líneas de bajo de la TB-303 son utilizadas más allá del solo hecho de acentuar la armonía y el ritmo obteniéndos efectos (como los barridos de filtro y los arpegios) que no pueden lograrse tan facilmente con bajos eléctricos o acústicos.


Audio
Relacionando los sonidos de bajos con el mapa de General Midi podemos encontrar el programa Nº 33 (Contabajo), el Nº 34(Eléctrico con dedos), el Nº 35 (Eléctrico con púa), el Nº 36 (Bajo fretless), el Nº 37 y 38 (Bajo con técnica de Slap) y el Nº 39 y 40 (Bajos generados con sintetizadores)



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